G A L E R Í A A R S É S
ARSOVYA
GOETIA & THEURGIA
P R E S E N T A
Neo-Manierismo Simbolista
Alegorías Neo-Barrocas
en Grabado
digital
ARS
ARS
El Pacto de las Sombras
Técnica:
Grabado digital único
Descripción:
La composición se divide en tres registros principales. En la parte inferior aparecen varias figuras infantiles acompañadas de inscripciones latinas que identifican los Pecados Capitales (Avaritia, Hypocrisis, etc.), rodeadas de símbolos de riqueza y vanidad (monedas, relojes de arena, instrumentos musicales). En el centro, una figura femenina de larga túnica estrecha la mano de un personaje diabólico ricamente vestido y coronado, mientras un ser alado interviene entre ambos. La mujer parece recibir o entregar una manzana, en clara alusión al pecado original. Sobre ellos, un ángel lleva a cabo el gesto descrito en Zacarías 5:8 (sellar con plomo la boca de la iniquidad). En la zona superior, entre nubes, un grupo de figuras musicales con rasgos demoníacos toca diversos instrumentos. Aunque a primera vista recuerdan querubines, sus atributos (cuernos, expresiones y alas) sugieren su identificación con demonios de la tradición de la Arsovya Goetia.
Interpretación iconográfica:
La obra constituye una alegoría moral compleja sobre la tentación y la propagación del pecado. Los niños representan la humanidad vulnerable ya marcada por los vicios capitales. El pacto central evoca el episodio de Eva y la serpiente, pero actualizado en clave demonológica del siglo XVII, incorporando elementos de la demonología goética. La música infernal en el cielo subraya cómo el mal se presenta bajo formas seductoras (arte, placer, conocimiento). El texto bíblico de Zacarías introduce un elemento de esperanza o advertencia divina frente a la iniquidad.
El Circo del Infierno
Técnica:
Grabado digital único
Descripción:
La composición nos sitúa en un foso de piedra, una arena que evoca tanto los anfiteatros romanos como las pesadillas de los antiguos maestros flamencos. El espacio está poblado por una fauna quimérica.
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En primer plano: Una criatura de cuerpo robusto y escamoso, con ojos desorbitados que parecen buscar la redención o la presa
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El plano medio: Diversos híbridos —seres con cuellos serpenteantes, cabezas de jabalí y extremidades aviares— interactúan en un caos organizado.
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El fondo: Una audiencia de figuras humanoides con rasgos grotescos observa desde la seguridad de un parapeto, recordándonos la delgada línea entre el espectador y el espectáculo
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La iluminación, lograda a través de una densa trama de líneas cruzadas, aporta una profundidad casi táctil a la escena, atrapando al ojo en un laberinto de detalles macabros..
Interpretación iconográfica:
El circo del infierno funciona como una alegoría de la mirada social y la degradación de la naturaleza. Iconográficamente, hereda el simbolismo del Infierno de Dante y las visiones de El Bosco, donde cada monstruo no es solo una criatura, sino la personificación de un vicio humano o una angustia existencial.
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El "circo" sugiere que el sufrimiento y la deformidad han sido convertidos en entretenimiento. Los espectadores en la parte superior representan la indiferencia de la sociedad ante la monstruosidad que ella misma ha creado o enjaulado. La presencia de la esfera en el suelo simboliza el mundo —o la fortuna— que ha caído en este foso, sugiriendo que la humanidad misma corre el riesgo de transformarse en parte de este bestiario si continúa observando la tragedia sin intervenir.
Es una obra que no solo se mira, sino que nos mira de vuelta, cuestionando nuestra posición como observadores en el gran teatro de la existencia
Salomón
Técnica:
Grabado digital único
Descripción:
La composición nos sitúa en un espacio indefinido, que podría ser un estudio de alquimia o un rincón de un antiguo palacio. En el centro, una figura vestida con vestiduras reales, que identificamos como el Rey Salomón, se encuentra sentado frente a un caballete de madera. Su pose es la de un artista concentrado en su obra, sosteniendo un pincel y un tazón con pigmentos.
Salomón, a pesar de sus ropajes reales, presenta rasgos que evocan a una figura demoníaca. Esta representación juega con el contraste entre la percepción tradicional de Salomón como un rey extremadamente cristiano o católico y su relación histórica con la invocación de demonios. El artista ha capturado esta ambivalencia con una maestría excepcional, creando una figura que es a la vez real y monstruosa.
En el lienzo sobre el caballete, se percibe la silueta de lo que parece ser un demonio, una de las "ars goetias" que Salomón habría invocado. El lienzo, a pesar de su pequeño tamaño, parece contener una energía contenida, como si el demonio estuviera cobrando vida ante nuestros ojos.
Interpretación iconográfica:
Salomón y la Esencia del 'Ars Goetia' funciona como una alegoría de la creación y la manipulación de las fuerzas ocultas. Iconográficamente, hereda el simbolismo del Ars Goetia, un grimorio que detalla la invocación de demonios, y la leyenda de Salomón como su supuesto autor.
El "ars goetia" sugiere que Salomón no solo invocó a estos demonios, sino que también los "pintó" o les dio forma con su voluntad. Esta interpretación se ve reforzada por la pose de Salomón como artista, lo que sugiere que su poder de invocación era comparable al poder de creación de un artista.La representación de Salomón como una figura demoníaca desafía la visión tradicional de él como un rey santo. El artista sugiere que, al interactuar con las fuerzas oscuras, Salomón mismo se ha visto afectado por ellas. Esta dualidad simboliza la lucha interna entre la luz y la sombra, la fe y la tentación.La obra es una reflexión sobre los límites del poder y las consecuencias de entrometerse con lo desconocido. Salomón, como artista, ha creado una obra maestra, pero al hacerlo, ha liberado fuerzas que podrían consumirlo.
La Simbiosis
Técnica:
Grabado digital único
Descripción:
La composición nos sitúa ante una estructura geométrica de confinamiento: una jaula de malla metálica que domina el plano izquierdo. En su interior y alrededores, figuras humanas de rasgos grotescos y expresiones vacilantes interactúan con aves zancudas de proporciones inquietantes.
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El Primer Plano: Un hombre de mirada perdida y vestimenta decimonónica andrajosa se apoya en lo que parece ser un bastón o instrumento de medición, mientras una grulla asoma tras su hombro, fusionando lo antropomórfico con lo ornitológico.
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El Fondo: La vegetación se presenta como una masa oscura de trazos horizontales, creando una atmósfera de jardín olvidado o pesadilla pastoral, donde el rótulo "La Simbiosis" corona la estructura como una sentencia o el nombre de un reino invisible.
Interpretación iconográfica:
Fiel al espíritu de la Galleria, donde lo mitológico se encuentra con lo humano, "la simbiosis" puede interpretarse como una alegoría de la decadencia de la razón.
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La Jaula y el Rótulo: La estructura representa la arquitectura de las instituciones o de la propia mente. El nombre "la simbiosis" actúa como un mantra o una
etiqueta taxonómica; es el límite entre lo que está clasificado y lo que permanece salvaje.La Simbiosis Humano-Animal: La presencia de las aves (tradicionalmente símbolos de vigilancia o del alma en tránsito) junto a figuras que parecen haber perdido su dignidad social, sugiere una involución. El hombre ya no es el centro del universo, sino un habitante más de una casa de fieras existencial.
3El Claroscuro Contemporáneo: La saturación de líneas negras simboliza la ansiedad de la información y el encierro. Al igual que en las obras de Caravaggio que custodiamos, la luz no ilumina para dar esperanza, sino para revelar la crudeza de la condición humana.
El Crestón
Técnica:
emula las técnicas clásicas de la talla dulce y la xilografía del Renacimiento nórdico, pero ejecutadas con herramientas de precisión algorítmica.A diferencia del grabado tradicional en plancha de cobre, esta técnica permite una pureza de línea absoluta. El uso de tramas cruzadas (cross-hatching) y el modelado mediante líneas paralelas crean un volumen tridimensional que dialoga perfectamente con la iluminación claroscurista. Es una pieza donde el bit se convierte en buril, logrando una textura visual que evoca tanto el metal frío como la suavidad de la tela.
Descripción:
La imagen nos presenta el torso y busto de un caballero medieval en una armadura de transición. Destacan los siguientes elementos:
Interpretación iconográfica:
En la tradición de la Galleria Borghese, cada detalle es un símbolo. Esta obra explora la dualidad entre la protección física y la carga espiritual.
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El Gran Yelmo (Great Helm): Una pieza imponente de forma cónica, reforzada con remaches visibles y perforaciones en forma de cruz para la ventilación.
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La Cimera: Coronando el yelmo, se encuentra una figura mítica —un dragón o quimera alada— que parece cobrar vida, aportando una verticalidad dramática a la composición.
3. Protección y Ropaje: El guerrero viste una hauberk de cota de malla meticulosamente detallada bajo una sobrevesta de tela sencilla. Sobre el hombro derecho, una espaldar rígida con remaches circulares añade una asimetría táctica.
El Escudo: A la derecha, un escudo de tipo bouche muestra un blasón heráldico complejo que incluye una cruz potenzada y un lema, anclando la figura en una identidad específica y noble.
En la tradición de la arsovya, cada detalle es un símbolo. Esta obra explora la dualidad entre la protección física y
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El Dragón como Ánima: La cimera no es solo un adorno heráldico; representa la domesticación de las pasiones indomables. Al estar situada sobre la cabeza (el asiento de la razón), simboliza que el caballero no solo lucha contra enemigos externos, sino que ha conquistado su propia naturaleza salvaje.
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La Cruz y el Sacrificio: Las ventilaciones en forma de cruz en el rostro del caballero sugieren que su visión del mundo está filtrada por la fe y el deber. Es un recordatorio de que, detrás del acero, reside un compromiso moral.
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La Armadura como Máscara: La ausencia de rasgos humanos visibles convierte al sujeto en un arquetipo universal del "Guardián". La obra nos invita a reflexionar sobre las identidades que construimos para enfrentar los conflictos del mundo moderno, ocultando nuestra vulnerabilidad tras una fachada de invulnerabilidad técnica.
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Esta pieza se integra en nuestro recorrido como un puente entre el pasado heroico y el futuro digital, recordándonos que la búsqueda de la belleza y la virtud es eterna,
El Crátera
Técnica:
Grabado digital único
Esta pieza destaca por el uso magistral del grabado digital de línea pura. A diferencia de las técnicas pictóricas, aquí el volumen se construye exclusivamente a través de la densidad y la dirección del trazo. El artista emplea una técnica de "talla digital" que emula la profundidad de los antiguos grabadores de la escuela de Piranesi, logrando una vibración visual en las sombras que dota al objeto de una fisicidad casi táctil.
La pureza del blanco y negro resalta la estructura arquitectónica de la vasija, permitiendo que la luz actúe como un elemento escultórico que define cada curva y relieve.
Descripción:
La obra representa una crátera monumental de inspiración neoclásica, caracterizada por su complejidad ornamental:
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Las Asas Ofidias: Dos serpientes entrelazadas surgen de los costados, cuyas cabezas se encuentran en el borde superior, creando una simetría orgánica y poderosa
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El Friso Central: Un relieve dinámico que muestra una procesión de figuras dionisíacas. Se aprecian hombres y mujeres en actitudes de danza y libación, acompañados por un pequeño amorcillo o putto que eleva un ánfora, simbolizando el desbordamiento de la vida.
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Detalle Epigráfico: En el cuello de la vasija, integradas entre las hojas de acanto, se vislumbran caracteres que parecen formar una palabra, fundiendo la tipografía con la decoración floral.
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Cuerpo y Base: La parte inferior de la crátera presenta un estriado clásico que descansa sobre un pedestal ornamentado, anclando la ligereza de la danza superior a una base sólida y arquitectónica.
Interpretación iconográfica: Dentro del contexto de la Galleria Borghese, esta pieza funciona como un espejo de los placeres y la inmortalidad:
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El Ciclo Dionisíaco: La danza circular de las figuras centrales evoca el concepto del entusiasmo (el dios interior). Es una representación del movimiento perpetuo, la alegría y la celebración de la existencia, temas recurrentes en los relieves antiguos que decoran nuestros salones.
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Las Serpientes y la Sabiduría: Las serpientes que forman las asas no representan peligro, sino la renovación (por el cambio de piel) y la custodia del conocimiento sagrado. Protegen el contenido invisible de la crátera: la inspiración.
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El Ánfora dentro del Grabado: El acto de verter el vino —o la esencia— realizado por el putto es una metáfora de la transmisión del arte. Así como el vino fluye, la creatividad pasa de una generación a otra, del mármol al grabado digital.
Esta crátera digital se une a nuestra colección no para sustituir al pasado, sino para recordarnos que la belleza de la forma y la narrativa mítica son lenguajes que trascienden el material, encontrando siempre nuevas formas de manifestarse ante el espectador contemporáneo.
El Crátera
Técnica:
Grabado digital único
Esta obra eleva la técnica del grabado digital a una complejidad sin precedentes. A través de una meticulosa construcción de líneas de fuerza y sombreados cruzados,logra diferenciar tres planos de realidad mediante el uso del contraste y la densidad del trazo.
La técnica emula la precisión del buril sobre acero, pero con una flexibilidad que permite integrar elementos tipográficos y simbólicos con una claridad que desafía los límites del soporte físico. Es una pieza donde el "píxel" se somete a la disciplina de la estampa clásica, creando una textura que evoca los manuscritos alquímicos y los tratados teológicos del siglo XVII.
Descripción
:La composición se organiza en una estructura vertical de tres niveles que narran el destino del hombre:
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El Plano Celeste: En la cúspide, la Santísima Trinidad preside un cielo colmado de legiones angélicas y santos en adoración. La luz divina emana en círculos concéntricos, dominando el caos inferior.
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El Plano Terrenal: Un paisaje desolado donde la humanidad se enfrenta a su propia moralidad. Observamos figuras en diversas actitudes: un hombre escribiendo sobre una estela el "Amor Dei", otro sumido en la introspección frente a un árbol seco marcado con la "S", y figuras que parecen sucumbir a la muerte y al paso del tiempo (letras A, R, S esparcidas entre restos óseos). Al fondo, un mar embravecido con naves sugiere el viaje peligroso de la vida.
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El Plano Infernal: En la base, una visión dantesca. Almas atrapadas en una red de fuego y tormento, custodiadas por una bestia híbrida —un demonio
cabeza de ave de rapiña— que martillea sobre el sufrimiento. Destaca la inscripción "Theoria Goetia", vinculando este plano con el conocimiento prohibido y la caída
Interpretación iconográfica:La Dialéctica del Amor: La obra contrapone el Amor Dei (amor a Dios) frente al Amor Sui (amor propio o egoísmo). El caballero que señala el escudo del "Amor Sui" representa la vanidad y el orgullo que ciegan al hombre ante su destino eterno.El Ouroboros y la Corona: En el centro del firmamento, el símbolo de la serpiente que se devora a sí misma rodeando una corona y la letra "A" simboliza la eternidad del ciclo divino y la soberanía absoluta de la creación sobre el tiempo lineal.La "ARS" como Transmutación: Las letras dispersas (A, R, S) que aparecen tanto en el plano terrenal como en el foso infernal sugieren que el "Arte" (Ars) es el vehículo del hombre. Sin embargo, este arte puede ser utilizado para la elevación espiritual o para la caída en la "Goetia" (la magia oscura o el conocimiento desviado).El Árbol Seco: La figura central junto al tronco sin vida evoca la Vanitas. Es un recordatorio de que, sin la gracia divina (representada por la luz superior), la existencia humana es un árbol que no da fruto, destinado a la aridez.